قلم‌مو یکی از ابزارهای نقاشی یا رنگرزی است.

قلم‌موها را می‌توان از چند نظر بررسی کرد:

• از نظر طرز قرار گرفتن الیاف: به گونه‌های بادبزنی، تخت و گرد تفکیک می‌شود
• از نظر کاربرد: به قلم‌موهایی که برای رنگ روغن و دیگری قلم‌هایی که برای آبرنگ به کار می‌رود تقسیم کرد.
• از نظر اندازه: برای اندازه‌های گوناگون قلم‌مو شماره‌هایی قراردادی تعیین می‌شود. از متداول‌ترین و پرمصرف‌ترین قلم‌موهای مورد استفاده در سبک رنگ روغن قلم‌موهای ۴، ۸، ۱۲ هستند.
• از نظر جنس موها: قلم‌موها از موی جانوران یا الیاف مصنوعی پلاستیکی ساخته می‌شوند. قلم‌موهایی که از موی دُم سمور ساخته می‌شوند کیفیت خوبی دارند و حالت فنری و انعطاف‌پذیشیان و نوک تیز آن‌ها برای نقاشی آبرنگ و رنگ روغن مناسب است. این قلم‌موها توانایی بالاتری برای جذب آب دارند.[۱]

انواع قلمو

غالب قلموها تغییر یافته‌ای از دو شکل اصلی قلمو، یعنی قلموی تخت و قلموی گرد هستند.

قلموی سرکج

نمونهٔ تغییر یافته‌ای از قلموی تخت که یک اهرم دوم به صورت زاویه ای بر روی الیاف آن ایجاد شده. این ویژگی به نقاش کمک می‌کند تا در انحنا بخشیدن یا سایه زدن حواشی و نواحی ظریف، آزادانه تر عمل کند. آزادی ای که این قلمو برای تغییر زاویه به نقاش می‌دهد، فرصت مناسبی را برای رنگ آمیزی و ایجاد بافت‌های متنوع و حرکت آزاد تر حین رنگ آمیزی ایجاد می‌کند.

قلموی چابک یا برایت

این قلمو هم نمونه ای از قلموهای سر تخت هست که موهای کوتاهی دارد. معادلی که برای آن به کار می‌رود قلموی سر تخت ساده یا قلموی چابک می‌باشد. این قلمو بافت زیادی ندارد و اصولاً برای خطوط و بافتی به کار نمی‌رود که نیاز باشد حتماً رنگ زیادی را مکیده و نگه دارد. با این قلمو می‌توان ضربه‌های کوتاه و کنترل شده‌ای را انجام داد و خطوطی با رنگ دانهٔ زیاد یا کم را در لحظه و به‌طور متوالی ایجاد کرد. از این قلمو برای رنگ برداری جزئی هم می‌توان استفاده کرد. این خاصیت رنگ برداری حین کار با آبرنگ اهمیت بیشتری پیدا می‌کند. چون حین نقاشی آبرنگ، امکان اشتباه کمتر است و سعی بر آن است تا لایه‌های کمتری رو درست کرده و طرح، بی نقص و تمیز به نظر برسد.

قلموی تخت

قلموی تخت، بافت ضخیم و سنگین تری نسبت به انواع دیگر قلموی تخت دارد. این قلمو بیشتر برای ضربه‌ها و بافت‌هایی که باید در سطح وسیع اعمال شوند کاربرد دارد. قلموی تخت در حواشی کار و زاویه‌ها یا برای کشیدن بافت‌هایی در سطح وسیع و با حجم زیاد رنگ کاربرد دارد.

قلموی زبان گربه ای یا فیلبرت

این قلمو نمونهٔ تغییر یافته‌ای از قلموی تخت است که برای محو کردن خطوط قوی یا با رنگ دانهٔ بالا، زمانی که هنوز خطوط خشک نشده‌اند کاربرد دارد. این قلمو به خاطر بافتی که دارد به نقاش اجازه می‌دهد تا در حالت مرطوب هم از این قلمو برای ایجاد بافت‌های متفاوت استفاده کند. این قلمو به جای گوشه‌های تند قلموی تخت، گوشه‌های منحنی شکل دارد که باعث می‌شود بافت‌ها، خطوط ظریف و نرم و منحنی شکلی را به راحتی ایجاد کنند.

قلموی واش

قلموی واش یا رنگبر، برای برداشتن یکدست رنگ و آب اضافهٔ روی نقاشی استفاده می‌شود، همچنین می‌توان به کمک این قلمو سطوح وسیع را به‌طور یکدست و نازک رنگ آمیزی کرد. این قلمو بافت آزاد و زیادی دارد و می‌تواند تسلسل و توالی را برای رنگ آمیزی یکدست ایجاد کند. این ویژگی، هنگام نقاشی با آبرنگ اهمیت زیادی پیدا می‌کند. معمولاً زیر سازی‌ها و رنگ آمیزی اولیهٔ آبرنگ با این قلمو انجام می‌شود.

قلموی تک ضربی

این قلمو برای ترکیب حجمی از رنگ، صرفاً با یک ضرب و ایجاد بافت‌های جدید و متفاوت مورد استفاده قرار می‌گیرد. از این قلمو می‌توان هم برای نقاشی‌های سبک و ظریف مثل نقاشی آبرنگی و هم برای ترکیب رنگ‌های خمیری و با حجم زیاد مثل رنگ روغن استفاده کرد، و به خاطر بافت تخت این قلمو، می‌توان بافت‌های یکدست و وسیع را به زوایا و انحنای ظریف و باریک منتهی کرد.

قلموی لاینر

این قلمو با قلموی لاینر یا rigger اصولاً متفاوت است. قلموی خط‌کشی یا لاینری که بیشتر هم شناخته شده، تغییر یافتهٔ قلموهای گرد است و این قلمو تغییر یافته‌ای از قلموهای تخت. با هر دوی این قلموها می‌توان خطوط باریک را ممتد و ادامه‌دار کشید، بدون این که نیازی باشد تا قلمو را از روی بوم یا کاغذ برداشت، چون این قلمو به خاطر بافت زیاد و طولانی خود، می‌تواند رنگ زیادی را نگهداری کند. این قلمو برای کشیدن خطوط مستقیم و صاف و طولانی در ابعاد ظریف کاربرد دارد، علاوه بر همهٔ این‌ها به نقاش کمک می‌کند تا خطوط تداوم پیدا کنند. این قلمو برای کشیدن جزئیاتی مثل سبزه‌ها و شاخ و برگ و درختان کاربردی هست.

قلموی فن یا بادبزنی

وقتی این قلمو بافت زیادی داشته باشد و انحنای آن تخت نباشد، کاربرد قلموی محو کن رو پیدا می‌کند. چیزی شبیه به قلموهای آرایشی که برای کرم پودر و رژ گونه استفاده می‌شود. نمونه‌های باریک این قلمو که ظریف تر هستند، بیشتر برای کشیدن گیاهان و درختان و بوته‌ها استفاده می‌شوند. قلموی بادبزنی همچنین برای ترکیب یکدست و خالص رنگ‌ها کاربردی هست.

قلموهای دکوراتیو یا رنگ آمیزی ساختمان

این قلموها معمولاً در ابعاد بزرگ‌تری ساخته می‌شوند و برای استفاده‌های غیر هنری مانند رنگ آمیزی ساختمان مورد استفاده قرار می‌گیرند. این قلموها شباهت زیادی به قلمو تخت دارند و بر اساس عرض الیاف شماره گذاری می‌شوند. این شماره گذاری می‌تواند به حسب میلی‌متر یا اینچ باشد.

برخی شماره‌های رایج قلموهای رنگ آمیزی ساختمان:

بر حسب میلی‌متر:10 mm, 20 mm, 40 mm, 50 mm, 60 mm, 70 mm, 80 mm, 90 mm, 100 mm.

بر حسب اینچ: 1/8 in,1/4 in, 3/8 in, 1/2in, 5/8 in, 3/4 in, 7/8 in, 1 in, 1 1/4 in, 1 1/2 in, 2 in, 2 1/2 in, 3 in, 3 1/2 in, 4 in.

قلم‌موی مورد استفاده در نگارگری از نوع نرم و مناسب برای آبرنگ است. نگارگران ایرانی برای قلم‌گیری و صورت‌سازی از قلم‌مویی که از موی گربه ساخته شده، استفاده می‌کنند، این قلم‌موها خود بر دو نوعند: گندمی و شمشیری (نیزه‌ای) قلم‌موی گندمی برای پرداز و قلم موی شمشیری برای قلمگیری بکار می‌رود.

از نکات مهم در استفاده از قلم‌مو توجه به ترکیب کردن رنگ‌ها و استفاده از رنگ‌های مناسب برای زمینه‌است. جهت دادن به قلم‌مو باعث دادن حجم به تصویر می‌شود و آن را از مسطح بودن درمی‌آورد.

اگر هدف نگارگر رنگ زدن به سطح وسیعی باشد از قلم‌موی دارای سر مربعی شکل و اگر هدفش رنگ کردن بخش کوچکی از یک طرح باشد از قلم‌موی سر گرد استفاده می‌کند.

گونه‌های قلم‌مو

https://fa.wikipedia.org/wiki/%D9%82%D9%84%D9%85%E2%80%8C%D9%85%D9%88

Whether it is the rich, intense colour of oil paints and pastels, or the soothing glow of watercolours, the medium in which an artwork is created, has a big influence on how it looks and feels. It is important to know how each medium differs before you invest in a painting, so here’s a useful guide to understanding the 7 most popular mediums used in paintings.

Tempera

An ancient medium that was originally used for murals, the word tempera originally came from the verb temper, or, 'to bring to a desired consistency'. Created by hand-grinding dry powdered pigments into binding agents such as eggs, glue, honey, water, milk and a variety of plant gums to hold the colour together, tempera was the primary painting medium for centuries. Tempera artworks last very long, with some of the earliest works dating back to the 1st century! Tempera eventually reduced in use compared to oil paints, when the latter rose to popularity during the Renaissance

Oil Painting

Known for pure colours, buttery consistency and a distinct scent, oil paints are made from pigments with linseed oil, poppy seed oil, walnut oil or safflower oil used as binders. The choice of oil affects the paint, so an artist might choose to use several different oils in the same painting to get varied effects.

Since it has more pigment in it, oil paintings are richer and vivid. Oil paints stay wet for days or weeks, depending upon humidity and temperature, making it easier to continue mixing colours for several days to produce subtle colour variations.

Acrylics

First used in the 1940’s, acrylic is a unique paint that combines properties of both water and oil colours. Made by combining pigments with synthetic resin binders, acrylic paint is known for its versatility and fast-drying ability.

Because of its water-soluble character, artists can modify the appearance, flexibility and texture of a surface painted with acrylic, simply by adding water. Acrylics are also useful in mixed media works, as it allows for the use of pastels, oil, chalk, charcoal and pen on top of the dried acrylic painted surface.

Watercolour

Watercolour is a painting method in which the paints are made of pigments suspended in a water-based solution. Translucent and lustrous, watercolours appear luminous because the colours are laid down in pure form, with just water and very few fillers.

Watercolour is an extremely old painting technique, dating back to the cave paintings of Palaeolithic Europe. Since water is an active element in this painting process, it becomes important for the artist to learn about and anticipate the behaviour of water. This makes watercolour techniques unique, giving this medium the reputation of being quite demanding

Gouache

Also known as opaque watercolour, Gouache may be an unfamiliar term to you. It is similar to watercolour, but less transparent; like acrylic paint, but less opaque. Like watercolour and acrylics, water is used to to activate the paint. Gouache is like the middle of watercolour and acrylic paint. Painting in gouach will result in a matt finish.

.

Pen and Ink

A traditional yet versatile medium, pen and ink have been used by artists since ancient-Egyptian times for sketches, finished drawings or ink and wash paintings and illustrations. The medium was continuously developed in Asian art, especially as a part of calligraphy. In China, traditional paintings were executed with brushes dipped in black or coloured ink. Known for highlighting contrast, and bringing attention to even the minutest of details, pen and ink is truly a varied and multifaceted medium.

Pastels

Known for their intense colour and varied textures, pastels have been in use since the Renaissance, gaining considerable popularity in the 18th century. Pastels are created by mixing dry pigment, chalk and a binder together to form a thick paste, which is then allowed to dry. Soft pastels and oil pastels are known for their buttery and waxy texture, while hard pastels produce a sharp drawing material that is useful for fine details.

Mixed Media

A term used to describe a combination of different materials, mixed media artworks have gained much popularity in recent times. An example of a mixed media artwork could be a combination of paint, ink, and metal on canvas. The advantage of mixed media lies in its ability to showcase multiple desired effects on the artwork. It has an experimental feel, and ensuring appropriate layering is an important aspect of this technique.

While no medium is better or significantly easier to master than the other, each creates a unique feel and texture, giving a distinct character to a piece of art.

https://www.artisera.com/blogs/expressions/an-easy-guide-to-understanding-the-different-mediums-used-in-painting

شیوه طراحی ذهنی با درک، شناخت، تمرین و تجربه اصول و قواعد طراحی جایگاه اصلی خویش را پیدا می کند.

اصل تصرف آغاز گر این راه است که پس از آن اصل تغییر و اصل ترکیب آموخته می شود. آگاهی به این اصول و شناخت قواعد حاکم بر آنها، قوه تخیل طراحان را پرورش می دهد و آنان را در بیان معنی توانا می سازد.

اصل تصرف:

اصل تصرف یکی از اصول مهم در شیوه طراحی ذهنی است. ذهن با توانیهای خاص خویش با بهره گیری از قوه تخیل در تصاویری تصرف می کند که توسط قوای حسی از عینیت برداشته می کند. این تصرف که با قوه تخیل انجام می شود دارای قواعد و قوانین بسیاری است.قاعده انتزاع کردن در بخش قواعد اصل تصرف قرار می گیرد.

قاعده انتزاع کردن:

منظور از انتزاع کردن این است که شکلهای موجود در طبیعت و ذهن، قسمتهای خاصی را جدا کرده و به طرح آن قسمتها در ذهن یا عین پرداخت. مثلا از شکل یک میز مربع شکل، رنگ آن یا شکل مربع آن را جداگانه ترسیم کنیم.

1. انتزاع کردن سطح
2.  انتزاع کردن نور
3. انتزاع کردن بافت
4. انتزاع کردن خط

خلاصه کردن:

 منظور از خلاصه کردن این است که طراح به گونه ای در شکلها تصرف می کند که شکل آنها به نهایت سادگی می رسد و در عین حال اساس و ساختمان شکل باقی می ماند.

-خلاصه کردن با خط

شکلها را به گونه ای خلاصه میکنیم که خطهای اصلی انها باقی بماند.

-خلاصه کردن با سطح

سطح اصلی موجود در هر شکلی اساس ساختمان و ذات شکل را تشکیل می دهد. زواید و جزییات را حذف می کنیم. تشخیص و انتخاب نقاط اصلی در ساختمان شکلها از اهمیت فوق العاده ای برخوردار است

-خلاصه کردن با حجم

از این قانون در تمامی روشهای طراحی ذهنی استفاده می شود و تمامی طراحان بخصوص طراحان مغرب زمین به آن پرداخته اند. در این روش حجم شکلها را در نظر می گیرند که می توان از انواع حجم های کروی، مکعبی، استوانه ای و مخروطی نام برد.

طراحان می تواند با به کارگیری این موارد شکلها را خلاصه کنند.

انجام این تمرین ها و تحلیل آثاری که به این طریق انجام می شود قدر بیان تصویری هنرجویان را افزایش می دهد و آنها را در بیان معانی و حالتهای مورد نظرشان یاری می دهد.

قاعده اغراق کردن:

منظور از اغراق کردن این است که تصرف در شکلها به گونه ای باشد که قسمتی از آنها کم یا زیاد یا قسمتهایی از آنها بزرگ و کوچک شود. با اطمینان می توان گفت که تمامی طراحان تاریخ بشر از این قوانین در بیان تصویری آثارشان استفاده کرده اند .

1. کم و زیاد کردن
2. کوچک و بزرگ کردن شکلها
3. برجسته تر کردن قسمتهایی از شکل

درک نیروهای تصویری و شناخت امکانات گسترده الفبای تصویر و همچنین درک عملکردهای قوای ذهنی در رابطه با نظام تصویری و فعال کردن نیروهای ذهنی در ارتباط با طراحی با به کارگیری اصول و قواعد حاکم بر نیروی تصور،تخیل و توهم، شیوه طراحی ذهنی را رقم می زند. 

برگرفته از کتاب شیوه طراحی ذهنی

در این مقاله انواع سبکهای نقاشی رابه همراه تابلوهای مشهور بـه هرکدام از سبک ها رابه شـما معرفی می‌کنیم، اگر علاقه مند بـه نقاشی هستید و یا این کـه می‌خواهید دراین زمینه تحقیقی انجام دهید اطلاعاتی کـه امروز در اختیار شـما قرار می‌دهیم می‌تواند برای تان مفید باشد، بـه همراه معرفی هر سبکی تابلو مشهور و نقاشان مشهور هر سبک را هم معرفی میکنیم.

معرفی سبک های مختلف نقاشی

1- رئالیسم «واقع گرایی»

2- امپرسیونیسم «برداشت گرایی»

3- پست امپرسیونیسم

4- نئو امپرسیونیسم

5- اکسپرسیونیسم

6- اکسپرسیونیسم انتزاعی

7- کوبیسم «حجم گری»

8- فوتوریسم

9- ورتیسیسم

10- رومانتیسیسم

سبک رئاليسم

رئال یعنی واقعی و رئالیسم بـه معنی واقعی گری و حقیقت گرایی نوعی گرایش هنری اسـت کـه اشیاء و موجودات را آنگونه کـه هستند زشت را زشت و زیبا را زیبا ترسیم می نمایند. سبک نقاشی رئالیسم نقطه مقابل سبک رومانتیک قرار دارد.

نام باران در جنگل بلوط اثر ایوان شیشکین نقاش برجسته روس

سعی هنرمند نقاش رئالیسم دراین اسـت کـه موضوعات منتخب را بدون کم و کاست وشیرین کاری و عوام فریبانه شدن طرح در ذهن بیننده، ترسیم کند و تخیلات غیرواقعی نیافریند و شعار ندهد. مبنای کار آنان صادقانه نگری و صادقانه اندیشیدن اسـت. معروف ترین و اصلی ترین هنرمند سبک رئال، گوستاو کوربه، نقاش فرانسوی بود. کوربه میگوید هدفم این بوده اسـت کـه بتوانم رسوم، اندیشه ها و ظواهر را آن چنان کـه بـه چشم می‌بینم شبیه سازی کنم.

تابلوی رنگ روغن اثر گوستاو کوربه بنام سنگ شکنان

همچنین او می‌گوید: مـن اصلا نمی‌توانم فرشته اي را بکشم کـه وی را هرگز ندیده ام. فرشته را نشانم دهید تا بتوانم تابلویی از پیکرش بکشم. این نقطه مقابل « رومانتیسیسم » اسـت.  دیگر نقاشان مشهور این سبک در اورپا: ژان فرانسوا میله، انوره دومیه، ادوارد مانه و هنرمندان مشهور روسی: ایوان شیشکین، ایلیار پین، کرامسکوی، می باشند.

برداشت گرایی یا امپرسیونیسم «بـه فرانسوی: Impressionnisme»

شیوه هنری گروه بزرگی از نگارگران آزاداندیش و نوآور فرانسه در نیمه دوم سده نوزدهم بود کـه بـه زودی جهانگیر شد. این شیوه مبتنی اسـت بر نشان دادن دریافت و برداشت مستقیم هنرمند از دیده‌هاي زودگذر با بکار بردن لخته رنگ‌هاي تجزیه شده و تابناک برای نمایش لرزش‌هاي نور خورشید. دراین روش اصول مکتبی طراحی دقیق و سایه روشن کاری و ژرفانمایی « پرسپکتیو » فنی و ترکیب بندی متعادل و معمارانه رعایت نمی شود.

صبحانه قایقرانان اثری از پیر آگوست

شیوه برداشت گرایی بعنوان انجمنی خصوصی از سوی گروهی از هنرمندان ساکن پاریس آغاز شد و این انجمن درسال 1874 بـه نمایش همگانی آثار خود پرداخت. نام این جنبش از نام یک نقاشی از کلود مونه بنام برداشت گرایی، طلوع خورشید «بـه فرانسوی: Impression, soleil levant» گرفته شده‌اسـت. نام امپرسیونیسم را نقادی بنام لویی لِروی دریک نقد هجوآمیز ساخت. امپرسیونیسم همچنین نام نهضتی در موسیقی اسـت.

دراین سبک نقاشان از ضربات «شکسته» و کوتاه قلم مو آغشته بـه رنگ‌هاي خالص و نامخلوط بجای ترکیب‌هاي ظریف رنگ‌ها استفاده میکنند. مثلا، بجای ترکیب رنگ هاي ابی و زرد برای تولید سبز آن‌ها دو رنگ آبی و زرد را مخلوط نشده بروی بوم قرار می دهند تا رنگ‌ها – حس – رنگ سبز را درنظر بیننده بـه وجود بیاورد. آن ها در نقاشی صحنه‌هاي زندگی مدرن در عوض جزئیات، تأثیرات کلی واضح را نشان می دهند.

پست امپرسیونیسم. فرانسوی: Postimpressionnisme»

جنبش هنری گسترده‌اي بود شامل مجموعه‌اي از گروه‌ها و سبک‌هاي نقاشی کـه یا در امتداد دریافتگری و یا بـه‌عنوان واکنشی در برابر آن، بـه‌وجود آمده بودند. نبی‌ها،ترکیب‌گری،مجزاگری،نئودریافتگری از جمله گروه‌ها و سبک‌هاي این جنبش می‌باشند.
اصطلاح پست‌امپرسیونیست اولین بار توسط راجر فرای نقاش و منتقد بریتانیایی در عنوان نمایشگاهی بـه‌کار گرفته شد.

کـه درسال‌هاي 1910 و 1911 در نگارخانه گرافتن لندن برگزار شد و راجر فرای آنرا مانه و پست‌امپرسیونیست‌ ها نامید. پل سزان، ونسان ونگوگ و پل گوگن، از برجسته‌ترین هنرمندان این جنبش می‌باشند. شیوهٔ کار سزان بـه‌گونه‌اي بود کـه وی را هموارکنندهٔ راه برای حجم‌گری میدانند.امیل برنار، هانری روسو، تولوز لوترک، ژرژ سورا و پل سینیاک از دیگر نقاشان پسا دریافتگر می‌باشند.

هنرمندان پست امپرسیونیسم از ضرب قلم‌هاي تند و یک نوع تخلیه هیجانی در آثارشان استفاده می کنند. این دوره را راه گشای تحولات نقاشی قرن بیستم میدانند. شیوه پست امپرسیونیسم‌ها فردی تر از امپرسیونیسم‌ها میباشد. موضوع آثار انها همواره از طبیعت اخذ شده بود. برخورد انها با طبیعت بـه گونه‌اي تحلیل ساختاری اسـت.

شب پر ستاره. تابلوی رنگ روغن. اثر ونسان ون گوگ

از هنرمندان این سبک می توان بـه سزان، ون گوگ و گوگن اشاره کرد کـه از این میان سزان را پدر هنر مدرن می دانند. یکی از نقاشی‌هاي این سبک شب پر ستاره اثر ونسان ون گوگ می باشد کـه کار رنگ روغن بر روی بوم اسـت و بـه خوبی میتوان اثر هیجانات سبک پست امپرسیونیسم را مشاهده کرد کل اثر زمینه تیره دارد کـه نور ستاره‌ها روشنایی بـه اثر می‌بخشد.

نودریافتگری یا نئوامپرسیونیسم

جنبشی در نقاشی فرانسوی بود کـه هم ادامه‌دهندهٔ دریافتگری «امپرسیونیسم» بودو هم واکنشی در برابر آن. اصطلاح نئو امپرسیونیسم را فلکس فنئون منتقد فرانسوی درسال ۱۸۸۷ برای این جنبش وضع کرد. این جنبش کـه یکی از جنبش‌هاي پسادریافتگری اسـت مانند دریافتگری دل‌مشغول بازنمایی رنگ و نور بود، ولی برخلاف دریافتگری می‌کوشید کـه آنرا بر مبانی علمی استوار کند.

اساس نظریهٔ نودریافتگری، جداسازی‌گری و روش مرتبط با آن نقطه‌چینی بود. یعنی نقطه‌هاي مجزا با رنگ‌هاي خالص بـه گونه‌اي در نقاشی بکار برده می شوند کـه درصورت دیده شدن از فاصلهٔ مناسب، حداکثر شفافیت و درخشندگی رابه دست دهند. در چنین نقاشی‌هایي نقطه‌ها هم‌اندازه‌اند و بـه گونه‌اي انتخاب میشوند کـه با مقیاس تابلو هماهنگی داشته باشند.

بعد از ظهر یک‌شنبه در جزیره گراند ژات اثر نقاش فرانسوی ژرژ سورا

ژرژ سورا برجسته‌ترین هنرمند این جنبش بود. پل سینیاک کـه نظریه پرداز اصلی آن بودو برای مدتی کامی پیسارو، دیگر هم بستگان مهم این جنبش بودند. هر سه هنرمند، تابلوهای نودریافتگری خودرا در واپسین نمایشگاه دریافتگری درسال ۱۸۸۶ بـه نمایش گذاشتند.

فرا واقع‌گرایی

فرا واقع‌گرایی یا سوررئالیسم «بـه انگلیسی: Surrealism» یکی از جنبش‌هاي هنری قرن بیستم اسـت. سوررئالیسم بـه معنی گرایش بـه ماورای واقعیت یا واقعیت برتر اسـت. زمانی کـه دادائیسم در حال از بین رفتن بود، پیروان آن بـه دور آندره برتون کـه خود نیز زمانی از دادائیست‌ها بود گرد آمدند و طرح مکتب جدیدی را پی ریزی کردند.

نقاشی مشهور سالوادور دالی در سبک فرا واقع‌گرایی یا سوررئالیسم

این شیوه درسال 1922 بطور رسمی از فرانسه آغاز شد و فراواقع‌گرایی نامیده شد. این مکتب بازتاب نابسامانیها و آشفتگی هاي قرن بیستم اسـت. این جنبش در عمل با انتشار مجلهٔ انقلاب فراواقع‌گرا توسط برتون آغاز شد. سالوادور دالی، رنه ماگریت و لویی آراگون از جمله سور رئالیست‌ هاي مشهور هستند.

هیجان‌نمایی یا اکسپرسیونیسم «بـه انگلیسی: Expressionism»

نام یک مکتب هنری اسـت. در آغاز قرن بیستم، نهضت بزرگی بر ضد رئالیسم و امپرسیونیسم پا گرفت کـه آرام‌آرام مکتب «اکسپرسیونیسم» از دل آن بیرون آمد. واژهٔ اکسپرسیونیسم برای اولین بار در تعریف عده اي از نقاشی‌هاي «اگوست اروه» بکار رفته اسـت. اکسپرسیونیسم جنبشی در ادبیات بود، کـه نخست در کشور آلمان شکوفا شد. هدف اصلی این مکتب نمایش درونی بشر، مخصوصاً عواطفی چون ترس، نفرت، عشق و اضطراب بود.

بـه عبارت دیگراکسپرسیونیسم شیوه‌اي نوین از بیان تجسمی اسـت کـه در آن هنرمند برای القای هیجانات شدید خود از رنگ‌ هاي تند و اشکال کج و معوج و خطوط زمخت بهره میگیرد. اکسپرسیونیسم بـه نوعی اغراق در رنگها و شکل ها اسـت، شیوه‌اي عاری از طبیعت گرایی کـه میخواست حالات عاطفی را هرچه روشنتر و صریح تر بیان نماید. دوره شکل‌گیری این مکتب از حدود سال ۱۹۱۰ تا ۱۹۳۵ میلادی بود.

تابلو مشهور جیغ اثر ادوارد مونک یا «مونش» نقاش نروژی

ولی در کل این شیوه از گذشته‌هاي دور با هنرهای تجسمی همراه بوده ودر دوره‌هاي گوناگون بـه گونه‌هایي نمود یافته‌اسـت. عنوان اکسپرسیونیسم درسال 1911 برای متمایز ساختن گروه بزرگی از نقاشان بکار رفت کـه در دههٔ اول سده ي بیستم بنای کارشان را بر باز نمایی حالات تند عاطفی، و عصیان گری علیه نظامات ستمگرانه ي حکومت‌ ها، مقررات غیرانسانی کارخانه‌ ها و عفونت زدگی شهرها و اجتماعات نهاده بودند.

این هنرمندان برای رسیدن بـه اهداف خود رنگ‌هاي تند و مهیج و ضربات مکرر و هیجان زده ي قلم مو و شکل‌هاي اعوجاج یافته و خارج از چارچوب رابا اینجاد ژرفانمایی و بدون هیچ گونه سامانی ایجاد میکردند و هر عنصری راکه آرامش بخش و چشم نواز بود از کار خود خارج می کردند.

هیجان‌ نمایی انتزاعی یا اکسپرسیونیسم انتزاعی بـه انگلیسی: Abstract Expressionism»

شیوه ي هنری نوینی اسـت کـه از دهه ي 1940 در نیویورک، متأثر از دو شیوهٔ هیجان‌ نمایی «اکسپرسیونیسم» و فرا واقع‌ گرایی « سور ئالیسم » پا گرفت دراین طرز بیان تلاش میشود تا شکل وفضا از قید بازنمایی عینی وسنتی رها شود. بدلیل گرد هم آمدن هنرمندان این مکتب در شهر نیویورک هیجان‌ نمایی انتزاعی گاه باعنوان مکتب نیویورک نیز شناخته می شود.

درحوزه نقاشی هیجان‌ نمایی انتزاعی مکتبی اسـت کـه درسال 1912 با انتشار مجله ي سوارکار آبی از مکتب هیجان‌ نمایی ایجاد شد. پیشوایان این مکتب واسیلی کاندینسکی، پل کله و فرانز مارک در مونیخ بودند. تصیر بالا نقاشی عدد پنج «انگلیسی: No. 5, 1948» یک نقاشی از جکسون پولاک، نقاش آمریکایی مشهور و درجهت تکمیل فرم جنبش اکسپرسیونیست انتزاعی اسـت.

کوبیسم «حجم گری»

در لغت کوبیسم بـه معنای مکعب گری اسـت و بـه شیوه ي از نقاشی گفته می شود کـه درسال 1907 پیکاسوی اسپانیایی و براک مطرح کردند. طبق معمول هنر شناسان سزان را پدر کوبیسم دانسته اند و معنقدند کـه یکی از عوامل بوجود آمدن این سبک جمله ي مشهور سزان اسـت باید همه ی ي مشهودات رابه واسطه ي حجم هاي هندسی منظم چون استوانه وکره و مخروط رابه تصویر در آورد.

انواع کوبیسم

کوبیسم سزانی دراین نوع کوبیسم عناصر تابلو همان اشکال استوانه و مخروط و مکعب شکسته شده اسـت و درکل موضوع تابلو مشخص اسـت.

تحلیلی:دراین کوبیسم شکل اصلی در شکلهای مکعبی حل می شود.

ترکیبی:دراین کوبیسم از مواد و عناصر مختلف در تابلو ترکیب می شود.

از خواسته هاي نقاشان کوبیسم این بود کـه آن ها بتوانن علاوه بر نز مایش وجهی از شئ پشت وپهلوی آنرا نیز بـه نمایش بگذارند.وآثار این دوران ترکیبی از سطوح شکسته کـه نه تنها نشانی از شی مورد نظر نداشت بلکه دیگر رنگ نیز در ان ها بـه حداقل رسید و ضعیف شده بود.

فوتوریسم

فوتوریسم یا آینده‌ گری یکی از جنبش‌هاي هنری اوایل قرن بیستم بود. مرکز این جنبش در ایتالیا بودو درکشورهای دیگر از جمله روسیه نیز فعالیت داشتند.فوتوریست‌ ها در تعداد زیادی از زمینه‌ ها مانند ادبیات، نقاشی، عکاسی، مجسمه‌ سازی، سفال گری، تئاتر، موسیقی، معماری و حتی آشپزی فعالیت داشته‌ اند. فیلیپو تومازو مارینتی با انتشار بیانیه ي فوتوریسم درسال 1909 در روزنامه فیگارو فعالیت جنبش را رسماً آغاز کرد.

در آن بیانیه، مارینتی نوشته بود کـه فوتوریست‌ ها از هنر گذشته بیزارند و دغدغه‌هاي اصلی این جنبش، پویایی، سرعت و تکنولوژی اسـت. برای فوتوریست‌ها خودرو، هواپیما و شهر هـای صنعتی نشانه‌ هاي بسیار مهمی بودند چراکه آن‌ها پیروزی انسان بر طبیعت را نشان می‌دادند.

ورتیسیسم

ورتیسیسم یا دوران‌ گری یک جنبش هنری کوتاه مدت بود کـه در اوایل قرن بیستم در بریتانیا و تحت تأثیر حجم‌گرایی و آینده‌گری بـه‌وجود آمد. نام ورتیسیسم را ازرا پاوند درسال 1913 بـه این جنبش داد، اما مهمترین هنرمند این جنبش ویندهم لوئیس بود کـه از یکسال قبل نیز بـه این سبک نقاشی می کرد. اگر چـه دوران‌گری از درون حجمگری درمی‌آمد، اما بـه پویایی و دیگر ملاک‌ هاي آینده‌گری نزدیک تر بود.

تفاوت اصلی دوران‌ گری با آینده‌گری در شیوه ي نشان دادن حرکات اسـت. در دوران‌ گری زندگی مدرن بـه‌ وسیله ي یکسری خط کلفت نشان داده می شود کـه چشم رابه مرکز تابلو هدایت می کنند. دیگر مشخصه‌ هاي این سبک استفاده از کمان‌ها و زاویه‌هاي چند گانه بر سطحی تخت، بـه‌منظور پدیدآوردن تجسمی از دوران یا القای چرخش و التهابی گرداب‌مانند اسـت. تنها نمایشگاهی کـه از آثار دوران‌گرها برگزار شد درسال 1915 در نگارخانه – دوره – بود.

بعد ازآن بـه‌خاطر جنگ جهانی اول این جنبش از میان رفت. هر چند درسال‌هاي بعد از جنگ گورو اِکس سعی کرد این جنبش را دوبازه زنده کند، اما نتوانست. برای مدت کوتاهی آلوین لنگدون کابرن بـه این گروه پیوست. در واقع او یکسری وُرتوگراف تجربی تهیه کرد. احتمالاً اولین عکس‌هاي انتزاعی با استفاده از سه آیینه متصل بـه هم مانند کالیدوسکوپ تهیه شده‌اند.

رومانتیسم

رمانتیسیسم یا رُمانتیسم یا رمانتیسیزم عصری از تاریخ فرهنگ درغرب اروپا اسـت، کـه بیشتر در آثار هنرهای تجسمی، ادبیات و موسیقی نمایان شد. هنرمندان رمانتیک آزاد از چهارچوب‌ هاي تصویرگریهای سنتی، بـه تحقق بخشیدن ایده‌هاي شخصی خود پرداختند. رمانتیسیسم را همان‌ طور کـه از نامش پیداست، باید نوعی واکنش احساسی در برابر خرد محوری بـه‌شمار آورد.

تمایلی بـه برجسته کردن خویشتن انسانی، گرایش بـه سوی خیال و رؤیا، بـه سوی گذشته ي تاریخی و بـه سوی سرزمین‌هاي ناشناخته. از دید انسان رمانتیک، جهان بـه دو دسته تقسیم می شود: یکی دستهٔ خردگرا «بـه قول نووالیس: جهان اعداد و اَشکال»، و دوم دسته ي احساسات یا بـه‌طور دقیق‌تر، والاترین‌ ها و زیبایی‌ ها.

رمانتیسم در اصل، جنبشی هنری بود کـه در اواخر قرن هجدهم و نوزدهم در ادبیات و سپس هنرهای تجسمی، ابتدا در انگلستان و سپس کشور آلمان، فرانسه و سراسر اروپا رشد کرد. رمانتیسم تا حدودی بر ضد جامعهٔ اشرافی و دوران روشنگری «بطور بهتر، عقلانی» بود. گفته می شود کـه ایدئولوژی انقلاب فرانسه و نتیجه‌هاي آن این طرز فکر را تحت تأثیر خود قرار داد.

رمانتیسم را جنبشی ضد روشنگری می دانند. برلین، بـه‌ خصوص علاقه‌ مند بـه استفاده از چنین لفظی برای اشاره بـه این جنبش بود. در حالیکه روشنگری نهضتی فکری بـه‌حساب می‌آمد کـه با علم و منطق و پیشرفت‌هاي نظام‌هاي عقلانی بشری در فهم علوم تجربی و انسانی گره خورده بود، متفکرین و هنرمندان رمانتیک، تأکید فرهنگی بر خرد را محدودکننده و سرکوبگر روح آدمی میدانستند.

بر مؤلفه‌ هایي چون هنر، شور، هیجان، تخیل، مضامین معنوی مناسک و نمادها تأکید می کردند. در بین اصحاب رمانتیک امر خاص ارزشمندتر از امر عام بودو خاص بودن فرهنگ‌ هاي بومی تنوع و تکثر زبان‌ هاي بشری هویت‌ هاي محلی و منحصربه‌ فرد بودن آدمیان ستایش میشد.

https://www.parsnaz.com/%D9%85%D8%B9%D8%B1%D9%81%DB%8C-%D8%A7%D9%86%D9%88%D8%A7%D8%B9-%D8%B3%D8%A8%DA%A9-%D9%87%D8%A7%DB%8C-%D9%86%D9%82%D8%A7%D8%B4%DB%8C-%D8%A8%D9%87-%D9%87%D9%85%D8%B1%D8%A7%D9%87-%D8%B9%DA%A9%D8%B3.html

نقاشی‌خط (نقش‌نوشت، نقش خط، نوشت‌نگار) شیوه‌ای است در نقاشی مدرن و خوشنویسی معاصر ایرانی که به تدریج در دهه ۱۳۳۰-۱۳۴۰ خورشیدی توسط برخی از خوشنویسان و نقاشان ایرانی شکل گرفت[۱] و تاکنون به حیات خود در عرصه هنر معاصر ادامه داده و در بسیاری از کشورهای منطقه نیز پیروانی یافته‌است. آنان به ترکیبی از خطاطی و نقاشی دست زدند از این رو به این شیوه گاهی خطاشی و خط نقاشی هم می‌گویند.

ریشه‌های خوشنویسی را می‌توان در شیوه‌های تفننی خوشنویسی ایرانی مانند خط توأمان، خط متعاکس، خط مسلسل، طغرا و مانند آن‌ها مشاهده کرد و جلوه‌های پر فروغی از نقاشی‌خط را در شیوه سنتی گلزار یا در آثار هنرمندانی از دوره قاجار مانند ملک‌محمد قزوینی یا اسماعیل جلایر موجود است اما شاید بتوان گفت مکتب سقاخانه در نقاشی معاصر ایران خاستگاه اصلی زیباشناسی و نوآوری معاصر، در خوشنویسی و پیدایش نقاشی‌خط بوده‌است. در دوران پس از انقلاب، خوشنویسی با اقبال زیادی از سوی جوانان مواجه شد آنان در عرصه‌های مختلف اعم از شیوه‌های سنتی یا تلاش برای ایجاد خلاقیت‌های نوین با هم به رقابت پرداختند. در این عرصه روند نقاشی‌خط هم شاهد تجربه‌های متفاوت و گسترده‌ای شد.

فرامرز پیلارام، رضا مافی، حسین زنده‌رودی، نصرالله افجه‌ای و محمد احصایی در پیدایش و پیشبرد این هنر در ایران مؤثر بوده‌اند.

رضا مافی در هنر نقاشی‌خط پیشگام بود و در این زمینه به موفقیت بزرگی نائل آمد و برخی او را اولین هنرمند خوشنویسی می‌دانند که بر بوم نقاشی، خط نوشته‌است. او از نخستین کسانی بود که به هنر نقاشی‌خط روی آورد. او تحت تأثیر از مکتب سقاخانه اولین خطاطی بود که با رعایت اصول سنتی خط، آن را در نقاشی مدرن ایران مورد استفاده قرار داد.

برخی محمد احصایی را بنیانگذار نقاشی‌خط در ایران می‌دانند چرا که او از حروف به عنوان وسیله‌ای برای بیان استفاده کرد.[۲] او که خوشنویسی توانا بود و در کار نقاشی‌خط و ارائه و توسعه آن بیش از دیگران پایمردی کرد و تاکنون در عرصه داخلی و بین‌المللی درخشیده‌است.

“Oil paintings have a great mystique and, in the minds of many, the medium is somehow more prestigious than others,” says Greg Albert, author of The Simple Secret to Better Painting (North Light Books) and contributor to The Artist’s Magazine. “On top of that cachet, oils have a tactile pleasure no one can deny. Their pure colors, buttery consistency, and distinct scent are a sensuous delight. Oils are well suited for any genre and for almost any style, from quickly executed alla prima to carefully controlled underpainting followed by glazing.

“Oils’ long drying time lets you create paintings with delicate blending, fine detail and textural effects, great for painting portraits. On the other hand, oils’ long open time doesn’t let you make corrections immediately by layering wet over dry paint.

“Oil paints are made from pigments and a binder, traditionally linseed oil, which is pressed from flaxseeds. Oil and pigment were combined and used as early as the 12th century, but traditional egg tempera was far more popular. By the 15th century, Dutch painters adopted oil as their primary medium; it provided far more versatility than egg tempera.

“The late 18th century heralded the beginning of shops dedicated to the manufacturing of art materials and related items. By the mid-19th century, paints went from being ground by hand and stored in animal bladders to being kept in collapsible tubes similar to the type in use today. The ease of working with paint stored in tubes spurred the movement to look to the outdoors as a source of inspiration.”
—Greg Albert

In Mediapedia: Oils (from The Artist’s Magazine), Albert tells you everything you need to know about how to paint with oil. This article includes FAQs about how to oil paint, oil painting techniques for beginners, and must-have tools for oil painting, plus an overview of the chemistry of oil paint.

Oil Painting Basics for Beginners

In addition to being the author of The Simple Secret to Better Painting, Albert is a longtime contributor to The Artist’s Magazine, in which he offers advice to readers and artists about a variety of media from the Ask the Experts column. We’re pleased to share with you this free PDF of his Mediapedia: Oils article, which includes a special section on oil painting basics, must-have tools and info on the chemistry and safety of oil painting.

Beginner Oil Painting Techniques

Learn what it means to paint alla prima, how to glaze and scumble, and get more tips on oil painting basics for beginners.

The Science of Oil Painting and Why You Should Know It

There are two basic considerations when selecting oil painting brushes: the shape and the fibers. Understand the different options when you read this free article. Know what else you need to paint with oil: supports, a palette and an easel are just the start

.

Oil Painting Chemistry and Safety

The pigments used in oil paints are nearly the same as those in watercolors and acrylics. Oil paints come in two grades, student and professional, the primary difference being the concentration of pigment or, in some cases, the method of mixing pigment and binder. Don’t miss Albert’s guide to the chemistry and safety of oil painting for beginners.

Oil Painting Tips and FAQs

What does “fat over lean” mean? What’s the difference between traditional oil paints and alkyd oils or water-miscible oils? Do you need to use a medium when you paint with oils? Get the answers to these questions on how to oil paint, and more!

Oil Painting Tips

In addition to being the author of The Simple Secret to Better Painting, Albert is a longtime contributor to The Artist’s Magazine, in which he offers advice to readers and artists about a variety of media from the Ask the Experts column. We’re pleased to share with you this free PDF of his Mediapedia: Oils article, which includes a special section on oil painting tips, must-have tools and info on the chemistry and safety of oil painting.

New for you! Lessons in Layering: Joshua LaRock offers problem-solving tools for painting luminous portraits in the classical tradition. In this bonus article from The Artist’s Magazine, you’ll also score a portrait oil painting demonstration!

Oil Painting Layering Lessons

Extolling the benefits of glazing, LaRock emphasizes that laying down transparent veils of paint on top of dried opaque layers unifies a painting—and interacts optically, which facilitates a luminous backlit glow (a signature of his own beautiful work). “When teaching, and in my own work,” LaRock says, “I try to break down the whole process into distinct phases which allow for more focused thoughts, rather than trying to juggle everything at once, which is always overwhelming. There is then a set of ideas, or problem-solving ‘tools,’ at each stage that helps with evaluating the accuracy, overall cohesion and harmony

www.artistsnetwork.com/oil-painting-tips-for-beginners

Artists have been painting with oil paints for hundreds of years and oil paints continue to be popular worldwide due to their versatility, quality, and color. While getting started with oil painting is fairly easy, there is a little bit more to it than acrylics, since you are working with toxic solvents and mediums and the drying time is much longer. Individual artists who have been painting for a while have their own favorite brands, brushes, palettes, and mediums, but here are some general tips that may be useful to you if you are just starting out with oil paints.

Start With Small Paintings

Painting small gives you the chance to try out techniques and experiment with color without investing too much time or material into the process. You can buy some small 8x10 inch canvases or canvas boards, or even try painting with oils on paper. (Remember to gesso the paper first

Get Organized

Set up space in a well-ventilated area where you can keep your palettes and supplies out and at-the-ready and your paintings visible. This will give you the chance to see and think about your work, even if you're not actually painting. It will also make the process of painting easier so that you will be inclined to paint more often, even daily if possible. Your work will improve rapidly if you paint a lot. This is the practice of making art.

Invest in Brushes

Buy professional grade paints as you can afford them rather than student grade. Professional grade has a greater ratio of pigment to binder. Buy only a few higher quality brushes—three different sizes should be good to start with. You can buy more and experiment with the different shapes as you paint more. You can use synthetic brushes made for acrylic paints for oil, but there is also a range of natural hair brushes that can be used with oil. Bristle (hog) brushes are the most commonly used.

Prime Your Painting Surface

You can paint on many different surfaces—canvas, wood, paper—but whichever you choose, it's important to apply a type of primer called gesso to the painting surface to prevent the oil from seeping into the surface, protect the surface from the acids in the paint, and provide a surface that the paint will adhere to more easily. You can also use pre-primed boards or canvas and apply another coat or two of gesso to them if you like a smoother surface. Ampersand Gessobord is a nice smooth durable surface to work on.

Understand Color and Color Mixing

Primary paint colors are not "pure" but rather lean toward either yellow or blue, making them warm if toward yellow, or cool if toward blue. This influences how the primary colors mix to produce the secondary colors.

Use a Limited Painting Palette

Don't feel that you have to use all the colors in your painting at once. Start with a monochrome painting, a painting of only one hue plus its shades (black added) and tints (white added). You can use any color you like depending on whether you want a cool or warm painting. This will allow you to get the feel of the paint. When you are ready, add a warm and cool of each primary color to your palette, along with earth tones like burnt sienna, burnt umber, and yellow ochre.

Start With an Oil Sketch

This is a thin underpainting consisting of a color and turpentine (or odorless turpentine substitute such as Turpenoid). This will dry quickly so that you can then add subsequent layers of paint and color without having to wait too long for it to dry. Burnt sienna is useful to lay out values and composition, whether you work on a white canvas or tone it with a neutral gray first.

Understand Paint Order

Paint thick over thin, fat over lean, and slow-drying over fast-drying. That means using thinner paint and less oil in the first layers, saving thicker paint and higher oil content for later layers. This will help ensure that earlier layers dry first and will help to keep your painting from cracking. Start with an underpainting of paint and turpentine, then move to a painting medium of a combination of turpentine and linseed oil in a ratio of 2:1. Linseed oil can yellow with age (which is more apparent on light colors) but dries faster than other oils. 

Clean Your Brush

It's important to clean your brush between colors and with soap and water when finished painting. Oil painting can get messy. Have paper towels and rags handy to wipe excess paint and turpentine off your brushes. Have two containers available while painting—one for turpentine for cleaning your brush between colors and one for medium to mix with your paint. 

Keep It Tidy

Oil paints and mediums are toxic if ingested or absorbed into the skin. Keep them put away and out of reach of pets and small children. Dispose of paints, mediums, rags, paper towels, and disposable paper palettes or paper plates (also good to use as palettes) properly. You should wet or soak rags and paper in water before discarding them since they are flammable, can heat up when drying out, and sometimes spontaneously combust

/www.thesprucecrafts.com/top-tips-for-beginning-oil-painting-2578745.

Oil Paintings are the antique stuffs, and art history tries to position these paintings in an advanced form. Western art is greatly associated with the Oil painting, and altogether in the traditional and modern periods. These oil paintings generally represent the complex civilization and associated issues. In present times, oil painting is the most stylish choice preferred by artists worldwide. It offers massive array, and profundity of sturdiness allowing oil paintings to remain feasible for a number of years.

History and Culture

The history of oil painting goes back to ancient times, when man started to confine his acquaintance in the painting work. In the grottos of Southern Europe, early man mixed animal fats with earth and stain to form the very first oil paints. These oil paints were distorted onto the walls of the grotto. During the 15th century, Jan van Eyck, a famous Belgian painter developed oil painting by mixing linseed oil and oil from nuts with diverse colors. Some English artists too made use of oils, and first advocated the oil painting technique.

Antique Oil Paintings

Antique Oil Paintings describe the ancient story in a very fascinating way. They get attraction because of their exquisiteness and massive value. These paintings developed by prominent artists are very costly and undeniably trendy too. Most popular works by the renowned artists are obtainable in museums, and are easily acknowledged by art lovers around the globe. According to historical reports, oil painting was first used in Afghanistan. It did not get accepted there until the 15th century.

About Famous Artists

Conventional artists use canvas made from Linen to produce oil paintings. Paintings by famous artists such as, Boticelli, Picasso, and Leonardo da Vinci etc. are well-known for their technique and gorgeousness. These arts cannot be afforded by an ordinary man because of its high cost and uniqueness. Replicas of the legendary paintings have been reproduced to make them available at a less value. These types of oil paintings can be found in traditional shops and epoch stores.

Value of Oil Paintings

The worth of the oil paintings is established by its maturity and age. The foundation of an oil painting can be considered by examination of the chemicals used in the artwork. The type of tests applied can analyze whether the painting is an authentic one or a counterfeit. There are many tests available to discover the age of the painting. Some of these genuine tests involve inspecting the cracks on the paint, pigmentation, varnishes, and tinge of the colors.

Popularity Factor

The most apparent reason behind people buying oil paintings is the modern fashionable thinking and imparting beautification to their homes. Oil paintings are considered to develop high status to the home owners.  Some owners purchase oil paintings depending on their personal taste, and these paintings are admired as the stuff of gigantic beauty all over the world.

With the arrival of online shopping, many online art galleries have originated all over the web. Art lovers are taking supreme advantage of this medium, and they have not to walk into a street art gallery to purchase oil paintings. They can access the most popular oil paintings from the ease of their home computer.